Deriva A Tokyo >>> http://urllie.com/ohdo1

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Nel 1966 Nikkatsu, uno studio giapponese, richiese che uno dei loro più "difficili" e i registi & quot; calmati & quot; al suo prossimo progetto. Il regista era Seijun Suzuki. Il progetto era Tokyo Drifter. Il risultato è stato tutt'altro che calmo.

Un film noir attraversato da momenti di colori brillanti e sgargianti; il film sfida tutte le convenzioni del genere, dello stile o anche di qualcosa di banale e non necessario come narrativo. Una scena trova la yakuza imbronciata di Tetsuya Watari in uno scontro teso con il suo rivale. In piedi sui binari del treno, circondato da neve pulita e frizzante, lo schermo è diviso in due da una linea blu scuro ben visibile. L'uso di questo effetto visivo è significativo. Non aggiunge nulla alla trama, alla caratterizzazione, sembra semplicemente buona.

La sequenza di chiusura deve essere vista per essere creduta. È meglio descritto come il segreto lovechild di un musical di Gene Kelly e di un film d'azione di John Woo. Incredibile.

Se per niente altro, Tokyo Drifter sarà ricordato a lungo per la melodia del tema che oscilla ossessivamente attraverso l'intero film. Gran parte del Tokyo Drifter (1966) richiede un certo senso di background culturale e contesto storico per essere meglio apprezzato; altrimenti, molto probabilmente sembra insulso, datato e del tutto incoerente. Devi apprezzare il fatto che per la prima parte della sua carriera, il regista Seijun Suzuki è stato un giocatore a contratto per la Nikkatsu Pictures, e in gran parte obbligato contrattualmente a prendere qualsiasi progetto offerto a lui, indipendentemente dalla trama, dal concetto o dal tema. Lavorava anche in condizioni abbastanza rigorose al fine di produrre il più grande giro d'affari finanziario, mentre allo stesso tempo cercava di dare ai suoi film un certo senso di carattere o individualità per farli risaltare contro gli altri, identikit di giovani film prodotti da Nikkatsu in quel particolare tempo.Verso la metà degli anni '60 aveva già iniziato a spingere i suoi film in direzioni più personali e idiosincratiche; sperimentare con il colore su Youth of the Beast (1963) e composizione in The Story of a Prostitute (1965), oltre a sperimentare usi più teatrali dell'illuminazione e del design del luogo sul classico Gate of Flesh (1964).

La maggior parte di questi stili stilistici derivano dal suo interesse per il teatro Kabuki, con Suzuki che traspone il mondo artificiale, ornato e completamente astratto di quelle produzioni per le strade grintose e violente delle sue B-foto low-budget. È importante tenere presente anche che questi film erano incredibilmente economici da realizzare e certamente non considerati "quadri di prestigio". Pensa alle centinaia di altri film rilasciati dalla stessa compagnia contemporaneamente e chiediti perché questi film non ottengono lo stesso tipo di attenzione postuma in occidente. La vera ragione è il contesto. Suzuki trascese i limiti di ciò che era richiesto al suo lavoro; instillandolo con uno stile personale e un senso di esuberanza più grande della vita che risuona con chiunque possa veramente apprezzare la magia e il potere del cinema. Questo è evidente fin dall'inizio del Tokyo Drifter, in quanto una sequenza in bianco e nero di tradimento crea l'atmosfera di una violenta violenza, punteggiata da un'astratta astrazione. La scena è vaga ed enigmatica; coreografato in modo tale da suggerire pastiche, ma riuscendo comunque a rimanere abbastanza brutale. Anche Suzuki non perde tempo a buttarci in questa narrazione eccessivamente complicata, in cui la guerra tra due frazioni rivali di Yakuza sfugge al controllo e causa dolore a un leale giovane delinquente che cerca di fare la cosa giusta, pur continuando a rimanere fedele al suo boss.

Tuttavia, ciò che è più notevole di questa scena, e del film in generale, è l'approccio anarchico e anticonvenzionale di Suzuki alla location e al design della produzione, così come le sue frammentarie esplosioni di editing e la sua magistrale uso della cinematografia. La scena d'apertura ci spinge a pensare che questa sarà un'altra corsa del mulino, un gang-thriller a basso budget in grinta in bianco e nero. Tuttavia, mentre il personaggio centrale cade su un ginocchio per sparare una serie di colpi davanti alla telecamera contro un nemico fuori schermo, abbiamo tagliato brevemente un colpo di colore audace e vertiginoso. Dopo che la scena di apertura si è conclusa, il film taglia quella canzone del titolo accattivante e il film passa al colore a tempo pieno. Questa giustapposizione è sconcertante e stabilisce l'umore e il tono che Suzuki aveva in mente per noi, mentre il resto del film continua con queste idee di astrazione, esuberanza e assolutamente non convenzionale. La cinematografia, il design, il montaggio e i costumi sono fantastici, con Suzuki e il suo team che usano colori primari audaci che creano una qualità quasi da fumetto, mentre l'uso di luci teatrali, movimenti di macchina e quelle composizioni epiche e cinemascope trasformano un backstreet lotta per il potere in un'epica parabola di proporzioni quasi shakespeariane.

Se hai già familiarità con il cinema giapponese Yakuza, dai film più grintosi, più duraturi di Kinji Fukasaku, alle instancabili sperimentazioni di Takashi Miike, o in effetti, il cinema di gang non convenzionale di Takeshi Kitano, allora saprai già cosa aspettarti dalla presentazione del personaggio e del tema stabiliti da Suzuki nel presente documento. Quindi, abbiamo lealtà, tradimento, potere, corruzione, fratellanza e retribuzione accanto alla nozione centrale di un personaggio un tempo violento che tenta di allontanarsi da un mondo che non può più capire. Ovviamente, date le convenzioni del genere, non può mai sfuggire a questo mondo, e infatti, è qui che sorgerà il conflitto del film. Tuttavia, tali nozioni di storia e carattere saranno sicuramente secondarie al potere travolgente delle immagini di Suzuki; che suggeriscono, come diceva un recensore, & quot; lo spirito di un giovane Jean Luc Godard che dirige Point Blank (1967) da una sceneggiatura di Stan Lee & quot ;.

Critiche che Suzuki non può dire coerenti la storia è puerile e va contro ogni idea di ciò che il cinema è e di ciò che il cinema dovrebbe raggiungere. Semplicemente non puoi giudicare un regista dai punti di forza e di debolezza di un singolo film, specialmente uno che ha già una reputazione come uno dei suoi più radicali e astutamente anarchici. È come liquidare il lavoro di Takashi Miike dopo aver visto solo Fudoh: A New Generation (1996) o Dead or Alive (1999), o addirittura liquidare Tarantino con Death Proof (2007) o Kill Bill (2003). Ci sono molti film di Suzuki in cui la storia è una preoccupazione primaria; tuttavia, con Tokyo Drifter stava tentando qualcosa di diverso, qualcosa di più rivoluzionario. Una pura fetta di psichedelico stile anni '60 nella tradizione della pop art, con sparatorie, combattimenti a pugni, editing frammentario e colori davvero inebrianti. A mio parere, vale la pena vedere Tokyo Drifter, ma paragonarlo a Branded to Kill è un po 'come paragonare mele e arance.

Branded to Kill è inquietante e terribilmente strano - indimenticabile, forse come un Hitchcock film o un film noir oscuro. Tokyo Drifter, d'altra parte, è più "romantico" & quot; E 'divertente e pieno zeppo di mode mod anni '60 e go-go.

Entrambi i film sono capolavori di stile. Per me vale la pena vedere Tokyo Drifter, ma ha alcuni momenti stupidi. In qualche modo, mi è stato lasciato pensare a What's Up Tiger Lilly e James Bond di Woody Allen! Quando un capo Yakuza chiamato "Kurata & quot; (Ryuji Kita) decide di dirigere il suo defunto difensore chiamato "Tetsu"; (Tetsuya Watari) sceglie di stare al suo fianco per pura lealtà. Sfortunatamente, un altro rivale di Yakuza chiamò & quot; Otsuka & quot; (Eimei Esumi) decide di impossessarsi della ricchezza di Kurata ora che è debole ed esposto. L'unico problema di Otsuka è la presenza di Tetsu. Ad ogni modo, anche se il regista (Seijun Suzuki) ha fatto un ottimo lavoro sia con la musica che con i colori, non mi è piaciuto molto. Anche così c'è un sacco di azione che suppongo che alcuni spettatori troveranno sicuramente abbastanza divertente. Di nuovo, è un film ben fatto, ma francamente non penso che passi molto bene nella cultura occidentale. Ma questa è solo la mia opinione e certamente non ho alcun problema se gli altri spettatori non sono d'accordo. In ogni caso, non è stato necessariamente un brutto film e considero il film come nella media.
Tokyo Drifter (1966)

** 1/2 (su 4)

Tutto lo stile e nessuna sostanza è certamente vero per questo film gangster giapponese del regista Seijun Suzuki. Non sono sicuro al 100% sulla trama, ma un gangster rinuncia allo stile di vita dopo che il suo capo è uscito dal racket ma presto i due si troveranno sotto l'attacco di una banda rivale. Con l'aggiunta di un numero sempre maggiore di pressioni, l'ex gangster deve trasformarsi in un drifter per mantenere il calore del suo amato boss. Non sono davvero sicuro se questa sia la storia esatta di questa cosa perché sembrava dappertutto. Per non parlare del fatto che era piuttosto chiaro che il regista era più interessato a ottenere tutto lo stile del film e questo stile è fondamentalmente la ragione principale per vedere questo film. I bellissimi colori sicuramente salta fuori dallo schermo come fa la terrificante cinematografia, ma la mancanza di storia mi ha davvero lasciato freddo. Inoltre non mi importava troppo per il piombo, che era un altro negativo.
Tetsu has joined his yakuza boss in going straight, but when a rival gang threatens to bring them back into the gang wars, Tetsu must become a drifter to keep the pressure off his old boss.,.,In Tokyo

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